Saulė Bliuvaitės beim Filmfestival in Locarno mit dem Goldenen Leoparden ausgezeichnetes Spielfilmdebüt "Toxic" erzählt vor einer desolaten Kulisse im Hinterland Litauens von der Drangsal, die sich zwei Mädchen in Hoffnung auf eine Karriere als Models selbst auferlegen. Die Regisseurin "filmt die Innenräume als strenge Tableaus, in kühlen Farben, die Ulrich Seidl alle Ehre machen würden", schreibt Perlentaucherin Katrin Doerksen. "Angelaufene Wände, Spitzengardinen, postsowjetische Tristesse. Freudlose Räume des Sollens, des Müssens und nicht Dürfens. Ihre Körper sind das Einzige, worüber die Mädchen Kontrolle zu haben glauben, sie geben ihnen Perspektive, eine potentielle Fahrkarte hinaus in die Welt." Vor Härten bleibt man nicht verschont - etwa beim Einsatz eines Bandwurms, der den Hunger abtöten soll. Aber "vollends in den Bereich des Bodyhorror lässt Saulė Bliuvaitė ihren Film nicht kippen; bleibt statt bei den Exzessen des Genres eher bei einem zwar stilisierten, aber distanziert beobachtenden Realismus." Michael Meyns ist in der taz skeptisch, ihm stellt sich im Verlauf "immer wieder die Frage, ob das Gezeigte tatsächlich die Realität des ländlichen Litauens darstellt oder nicht doch eher eine betont miserabilistische Version". Für den Filmdienst spricht Susanne Gietl mit der Regisseurin.
 
Außerdem: Fabian Tietke empfiehlt im Tagesspiegel das Arabische Filmfestival in Berlin. Besprochen werden Frédéric Hambaleks "Was Marielle weiß" (Standard, online nachgereicht von der FAS, unsere Kritik), der Actionfilm "The Accountant 2" mit Ben Affleck und Jon Bernthal (Standard) und die zweite Staffel der auf Disney+ gezeigten "Star Wars"-Serie "Andor" (taz).

SZ-Kritikerin Martina Knoben ist sehr beeindruckt von Raoul Pecks bei den Filmfestspielen in Cannes als bester Dokumentarfilm ausgezeichnetem Film "Ernest Cole: Lost and Found". Cole hatte den Alltag der schwarzen Bevölkerung unter dem Apartheidsregime Südafrikas fotografisch dokumentiert, 1966 floh er in die USA, sein 1967 erschienener Fotoband "House of Bondage" wurde 1967 in Südafrika verboten. Später geriet Cole in Vergessenheit, bis 2017 in einem Banktresor sein Archiv mit 60.000 Negativen auftauchte. "Peck hat Coles Fotografien klug montiert, das Leben des Künstlers zeigt sich in dessen eigenen Aufnahmen. Dass Cartier-Bresson Cole inspiriert hat, ist dabei nicht zu übersehen: Ein ähnlicher Humanismus zeichnet die Bilder aus, auch Coles Fotos erzählen nicht nur vom Elend, sondern nehmen den Menschen als Ganzes in den Blick. ... So wie Cole sich gegen die Apartheid in seiner Heimat gewehrt hatte, so wehrt er sich auch in den USA dagegen, auf seine Hautfarbe und Ethnie reduziert zu werden. Nach 'House of Bondage' wollten Coles Auftraggeber immer wieder ähnliche Bilder von ihm sehen, er sei nur als Chronist von 'Elend, Ungerechtigkeit und Herzlosigkeit' gefragt, klagt er. Cole verzweifelt am Exil, der Traum von Amerika wird zum Albtraum." Für die Jungle World bespricht Holger Heiland den Film.

Der Tagesanzeiger reicht für die SZ online einen Artikel von Gregor Scheu und Jürgen Schmieder aus dem Wirtschaftsressort darüber nach, wie sich Trumps Zölle zu einem Kulturkampf ums Kino auswachsen. Da China im Zuge "die Regeln für den Import von US-Entertainment verschärft", ist momentan nicht ausgemacht, "ob und wie viele Filme aus den USA in Zukunft noch in chinesischen Kinos gezeigt werden". China ist bekanntlich für die Branche ein wichtiger internationaler Absatzmarkt, mit Umsätzen, die dort teils höher ausfallen als zuhause - was in der Vergangenheit immer wieder zu zahlreichen Zugeständnissen gegenüber China geführt hat. Doch "was aussieht wie ein Bauernopfer im Wirtschaftskonflikt der beiden größten Volkswirtschaften der Welt, ist ein gezielter machtpolitischer Akt: Peking will nicht länger nur Markt für westliche Blockbuster sein, sondern selbst produzieren und exportieren: eigene Inhalte, eigene Helden, eigene Werte als moralische Anker der Handlung. Kino wird zur Bühne für Chinas kulturelle Emanzipation; der Handelskrieg mit den USA schafft für Chinas Filmindustrie das Narrativ der Aufbruchsstimmung, wie es sich die Propagandaabteilungen der Kommunistischen Partei kaum schöner hätten ausdenken können."

Weitere Artikel: Standard-Kritikerin Valerie Dirk legt dem Wiener Publikum die Filmreihe "Traummaschine Kino" im Österreichischen Filmmuseum ans Herz. Besprochen werden Miguel Gomes' auf Mubi gezeigter Film "Grand Tour" (online nachgereicht von der FAZ, mehr dazu bereits hier), Hirokazu Koreedas Netflix-Miniserie "Asura" über eine japanische Familie in den Siebzigerjahren (NZZ, mehr dazu bereits hier) und die zweite Staffel der auf Disney+ gezeigten "Star Wars"-Serie "Andor" (Welt).

Rassisten als Vampire und dann dieser fast schon psychedlisch entgrenzte, ekstatische Delta-Blues: Nach Ryan Cooglers in den US-Südstaaten der 1930er-Jahre angesiedeltem Horrorfilm "Sinners" (der in Deutschland idiotischerweise "Blood & Sinners" heißen muss) fragt sich Sofia Glasl in der SZ völlig umgehauen "was zur Hölle" sie "da gerade gesehen hat. Ein Drama über Rassismus? Eine Fabel über die Kraft der Musik? Oder doch einen Vampirfilm? 'Blood & Sinners' ist all das gleichzeitig und könnte glatt als Liebeskind von Spike Lee, Jordan Peele, Robert Rodriguez und Walter Hill durchgehen." Dieser Film ist wirklich "viele Filme auf einmal", pflichtet auch Mathis Raabe auf Zeit Online bei, wenn auch nicht stets zum eigenen Vorteil: "Coogler liefert viele Denkanstöße, als eine Idee konzentriert bis zum Ende zu verfolgen. Aber das schadet nicht: Gerade einer noch wachsenden Bewegung wie dem Horrorfilm aus schwarzer Perspektive tut Überambition gut, dem Blockbusterkino sowieso." Vor allem geht es Coogler darum, "den Reichtum des afroamerikanischen Erbes herauszustellen", schreibt Barbara Schweizerhof in der Presse: "Die tollste Sequenz des Films ist deshalb eine Musik- und Tanznummer auf dem Höhepunkt des Abends, in der die Kamera gleichsam zu fantasieren beginnt und von afrikanischen Stammestänzern über Blues und Funk bis zum Hip-Hop-DJ die verschiedensten Einflüsse in persona auftreten lässt."

Rüdiger Suchsland führt sich für Artechock die diversen Verlautbarungen von Filmbranchenverbänden rund um die Koalitionsverhandlungen und den nunmehr vorliegenden Koalitionsvertrag zu Gemüte - und verzweifelt schier: "Da wird in vielen allzufreundlichen Worten die Krise beschworen - die wirtschaftlichen Rahmenbedingungen seien nicht 'auf Weltniveau', die deutsche Filmproduktionslandschaft 'in einer strukturellen Krise' - um 'Investitionen in den Standort Deutschland' zu fordern. Aber die Argumente sind falsch. Man will auf 'Wirtschaftlichkeit' setzen, redet von 'Wachstumsschub' und 'Arbeitsplätzen', aber nicht von der Kunst. Es ist richtig, dass auch in Deutschland dringend eine Investitionsverpflichtung eingeführt werden sollte; es ist auch richtig dass die Streamer weit mehr einzahlen müssten, als sie bisher tun. Aber wer immer nur vom Geld redet, darf sich nicht wundern, wenn ihm dann plötzlich auch ökonomische Argumente entgegengehalten werden. Der Kinofilm ist ein Zuschussbetrieb ... Das Problem ist nicht, dass es sich um Zuschüsse handelt, sondern für was für einen Quatsch manchmal das Geld ausgegeben wird."

Weitere Artikel: Jörg Taszman spricht für den Filmdienst mit Raoul Peck über den lange Zeit in Vergessenheit geratenen südafrikanischen Fotografen Ernest Cole, mit dem er sich in seinem neuen Dokumentarfilm beschäftigt, nachdem "60.000 seiner Negative in einem Bankschließfach in Schweden gefunden" wurden. Für die FAS porträtiert Bert Rebhandl Doris Dörrie, die gerade ein Buch über das Wohnen geschrieben hat. Valerie Dirk wirft für den Standard einen Blick auf die Umtriebe der christlich-fundamentalistischen Filmszene in den USA.

Besprochen werden Frédéric Hambaleks "Was Marielle weiß" (SZ, unsere Kritik), Alex Garlands und Ray Mendozas "Warfare" (Standard, unsere Kritik), die siebte Staffel der Science-Fiction-Serie "Black Mirror" (Freitag, SZ), die Apple-Serie "Government Cheese" (FAZ) die Netflix-Westernserie "Ransom Canyon" (FAZ).

Nachdem Alex Garland mit "Civil War" (unsere Kritik) im vergangenen Kinojahr sich bereits einen US-amerikanischen Bürgerkrieg in der Zukunft ausgemalt hat, kehrt er (mit Co-Regisseur Ray Mendoza, auf dessen Erinnerungen der Film basiert) in "Warfare" erneut zum Genre des Kriegsfilms zurück. Diesmal geht es um die Vergangenheit, um ein Scharmützel im Irak des Jahres 2006. "Anders als "Civil War" verzichtet dieser Film "auf weltdeuterisches Mackertum", schreibt Perlentaucher Lukas Foerster. Zu sehen sind "hochgerüstete, hochspezialisierte Kämpfer im Zustand der Hilflosigkeit. ... Anders als einst Filme von Regisseuren wie William Wellman oder Sam Fuller taugt 'Warfare' kaum als Medium demokratischer Selbstverständigung. Fragen nach Sinn und Unsinn einer Institution wie der Armee, nach den Zwängen, die sie Individuen antut, nach der ethischen Verantwortung des einzelnen Soldaten, stellen sich bei Mendoza und Garland gar nicht erst. Aber vielleicht würde man mit solchen Ansprüchen dem Kino der Gegenwart, das realer Komplexität allzu oft mit rein intellektuellen Überlegenheitsgesten begegnet, zu viel zumuten. Vielleicht ist es nicht das Schlechteste, wenn es ab und zu den Basics zurückkehrt."

Dieser "Film ist schwere Kost", pflichtet Jan Küveler in der Welt bei. "Aber in der Zuspitzung und Intensität fast schon Pflichtstoff für eine Gesellschaft, die zunehmend über Kriegseinsätze diskutiert." Was Garland hier erzählt, ist "nichts als der pure Krieg", schreibt Axel Timo Purr auf Artechock: "Wir wohnen in unseren Kinosesseln einer sachlichen Angelegenheit bei. Krieg als Arbeit. Es gibt nicht ein ideologisch geprägtes Wort, kein Narrativ über den Feind oder den Freund, kein Reflektieren über die Nation oder den Soldaten, das Ich, Familie oder Zweifel. Nur die Angst und der Angstschweiß sind da. Aber das gehört zur Arbeit, die hier verrichtet wird."

Weitere Artikel: Elmar Krekeler porträtiert in der Welt die Schauspielerin Julia Jentsch, die aktuell in Frédéric Hambaleks (von uns, auf Artechock und in der FR besprochener) Komödie "Was Marielle Weiß" zu sehen ist. Dass Cate Blanchett kürzlich in einem Interview laut darüber nachgedacht hat, mit der Schauspielerei aufzuhören, beschäftigt Andreas Scheiner (NZZ) und Andreas Kilb (FAZ).

Besprochen werden Dag Johan Haugeruds "Oslo Stories: Liebe" (taz, Artechock, Standard, mehr zum Film bereits hier), Raoul Pecks Dokumentarfilm "Ernest Cole: Lost and Found" (taz, Freitag), Ryan Cooglers Vampirfilm "Blood & Sinners" (FR) und die Apple-Serie "The Studio" (FAZ). Außerdem blicken Tagesspiegel und Filmdienst auf die wichtigsten Kinostarts der Woche.

Auf der Berlinale wurde der norwegische Regisseur Dag Johan Haugerud für seinen Film "Träume" ausgezeichnet. Der Film ist Teil eines Triptychons namens "Oslo Stories", das neben "Träume" noch "Sehnsucht" (im Original eigentlich: "Sex", aber das ist dem neuen Puritanismus offenbar nicht zuzumuten) und "Liebe" umfasst. Mit dem dritten Teil, "Liebe", beginnt nun auch die Auswertung der Trilogie in den deutschen Kinos - zum Verständnis braucht es die anderen beiden Filme allerdings nicht, versichert Fritz Göttler in der SZ. Sie sucht Liebe, er Sex. Haugeruds "Filme haben etwas Novellistisches", hält Göttler fest - und fühlt sich zuweilen an die Filme der Nouvelle Vague erinnert, auch wenn "immer wieder ein bürgerliches Bildungsbrimborium durchklingt". Auf Fähren ist gut flirten und was sich daraus ergibt, schreibt Katja Nicodemus in der Zeit. Und dieser Film "ist selbst so etwas wie eine Fähre. Er pendelt zwischen Orten und Menschen, verbindet sie auf mal tiefgründige, mal flüchtige Weise, im Schlepptau hat er ihre Sehnsüchte, Ängste und Träume."

Sehr beglückt kommt Kamil Moll aus dem Kinosaal. "Mit einem immer wieder entspannt wechselnden Fokus, einer stets in Bewegung gehaltenen, geradezu anschmiegsamen Kamera folgt der Film seinen Figuren so aufmerksam wie unaufdringlich durch ein Oslo, das zwischen altem Stadtkern und neu errichteten Vierteln wie ein organisch angewachsener Schutzraum wirkt", schreibt er im Filmdienst. "'Ein Tagebuch ist von Natur aus unvorhersehbar. Man kann ihm keine nachträgliche Struktur aufzwingen', sagt Marianne einmal, als sie auf die Bücher, die sie am liebsten liest, angesprochen wird. In dieser Beschreibung spiegelt sich auch die Art, wie 'Oslo Stories: Liebe' organisiert ist: anhand von intimen Ideen und Vorstellungen, die ausprobiert und wieder verworfen werden können. Weniger durch dramatische Entwicklungen."

Weitere Artikel: Arabella Wintermayr (taz) und Jens Hinrichsen (Filmdienst) sprechen mit dem Regisseur Frédéric Hambalek über dessen neuen Film "Was Marielle weiß", in dem eine Tochter buchstäblich schlagartig alles weiß, was die Eltern auch in ihrer Abwesenheit tun. In der taz stellt Frank Keil die Arbeit der Kieler Filmgruppe Chaos vor, die seit fünfzig Jahren zwischen linken Dokus und Experimentalfilmen changiert: "Etwas filmisch erzählen, wie man es erzählen will, ist die Aufgabe, nicht so, dass es zum NDR passt."

Besprochen werden Christopher B. Landons Thriller "Drop" (FAZ), Noaz Deshes "Xoftex" (Tsp), Albert Serras Stierkampf-Doku "Nachmittage der Einsamkeit", der in Deutschland am 1. Mai startet (Standard), die vom ZDF online gestellte Serie "Crystal Hall" (taz) und die Disney-Serie "The Stolen Girl" (FAZ).

Besprochen werden Paolo Sorrentinos "Parthenope" (Jungle World, mehr zum Film bereits hier), die Netflix-Serie "Adolescence" (FAZ), die auf AppleTV+ gezeigte Serie "Your Friends and Neighbors" (taz) und die letzte Staffel von "The Handmaid's Tale" (SZ).

Die extreme Aufregung um die Netflix-Serie "Adolescence" findet Jonathan Guggenberger in der FAZ überaus befremdlich: Für ihn ist das pädagogisches Fernsehen, bei dem jeder Gedanke und jede Überlegung schon von vornherein feststeht - als Erklärstück über die Zunahme von Gewalt junger Männer gegenüber Frauen strotze die Serie daher voller Klischees mit der Funktion Eltern aus ihrer Verantwortung zu nehmen. Denn "es war der Computer, der die Gewalt ins Kinderzimmer brachte. Gut gemeint, aber nicht originell. Und als Moral eines Serienplots über die Katastrophe eines Mords an einer Teenagerin ziemlich faul. ... Was der Hype um 'Adolescence' letztlich ausblendet ist die Frage, für wen die Serie überhaupt relevant ist. Für entfremdete Teenager? Nein. Für ihre zurecht besorgten Eltern? Ja. Und das ist die ganze Misere. Denn der sorgenvolle Blick der Serie kommt noch immer von oben. 'Adolescence' ist kein radikaler Ausdruck einer um Aufmerksamkeit ringenden Jugend, sondern bespielt präzise die Empörungsklaviatur ihrer Eltern."

Weitere Artikel: Josef Grübl stöhnt in der SZ über Arnaud Lemorts Film "Voilà Papa", der für ihn sinnbildlich für die ganze Misere der französischen Boulevardkomödie steht: "Dort ist alles so wie immer, dort werden weiterhin Filme fabriziert, die so vorhersehbar und altmodisch sind." Elmar Krekeler porträtiert in der Welt die Schauspielerin Julia Koschitz. Reinhold Zwick sichtet für den Filmdienst Filme über Jesu Auferstehung. Heide Rampetzreiter staunt in der Presse über den sagenhaften Kassenerfolg der Verfilmung des Videospiels "Minecraft".

Besprochen werden die zweite Staffel der HBO-Serie "The Last of Us" ("die klügste Zombiesaga unserer Zeit ist zurück", ruft Arabella Wintermayr in der taz) und James Hawes' Thriller "The Amateur" mit Rami Malek (Welt).

Ab 18. April zeigt der Streamer Mubi "Grand Tour", den neuen Film des portugiesischen Auteurs Miguel Gomes. Der Film erzählt von der abenteuerlichen Flucht eines Kolonialbeamten vor seiner Verlobten im China des frühen 20. Jahrhunderts. Gedreht wurde der Film zwar mit einem Team vor Ort, aber wegen Covid-Bestimmungen von Portugal aus, per Monitor und Anweisungen via Live-Schalte, erfahren wir im taz-Gespräch, das Thomas Abeltshauser mit dem Regisseur geführt hat. Dem Film selbst hat er eine bewusst künstliche Ästhetik verpasst, sagt Gomes: "Wenn ich etwa im Studio ein Postamt im Saigon vor 100 Jahren inszeniere, erinnert es an den Exotismus aus einem Hollywoodfilm der 1940er Jahre. Dann schneide ich zu einer Aufnahme eines echten Postamts der Stadt, die heute Ho-Chi-Minh-Stadt heißt. In diesen Bildern schwingt der Zusammenhang von Gegenwart und Kolonialerbe mit und auch, wie sehr unser Blick auf diese Region durch das klassische amerikanische Kino geprägt ist, Filme wie Josef von Sternbergs 'Shanghai Express' etwa."

Weiteres: Katharina Stahlhofen fragt sich in der taz, warum in der aktuellen Staffel von "White Lotus" ständig Tiere auftauchen. Besprochen werden Jannis Alexander Kiefers "Another German Tank Story" (SZ, unsere Kritik), die Netflix-Serie "Adolescence" (FR), die Apple-Serie "The Studio" mit Seth Rogen (NZZ), Éric Besnards "Louise und die Schule der Freiheit" (FAZ), Alexandra Makarovás auf der Diagonale in Graz preisgekröntes Drama "Perla", das in Deutschland noch nicht im Kino startet (Standard), die von Disney im Streaming gezeigte Tragikomödie "Dying for Sex" mit Michelle Williams (Welt) und die Apple-Serie "Your Friends and Neighbors" mit Jon Hamm (FAZ).

Rüdiger Suchsland hat für Artechock die Gesprächsveranstaltung besucht, die das Festival Achtung Berlin anberaumt hatte, nachdem im Netz gegen Laura Laabs' Film "Rote Sterne überm Feld" gewettert wurde, weil darin in einem Kurzauftritt Rammstein-Sänger Till Lindemann zu sehen ist (unsere Resümees hier und dort). Suchsland berichtet von einer "krassen Erfahrung. ... Bei einem Film, den lauter Frauen gemacht haben, wird von lauter Frauen, die sich Feministinnen nennen, nur über einen Mann gesprochen. Wir lernen, dass sich Festivals mit dem schwachköpfigen Verhaltenskodex selbst die Probleme ins Haus holen. ... Wir erleben, dass Leute, die vorher wissen, dass Till Lindemann mitspielt und deswegen hingehen, eine Triggerwarnung wollen. Eine wichtigtuerische Anti-Lindemann-Fraktion mit Schaum vorm Mund nutzt den Namen des Sängers, um sich selbst in Szene zu setzen - und damit im übrigen nur Lindemann ins Spiel bringen und die Rammstein-Fans ins Kino. Das zu merken, sind sie aber zu dumm. Abgesehen davon ist 'Rote Sterne' kein Film über ihn; Lindemann ist hier gerade mal eine Minute von 135 Minuten im Bild." Am Ende gewann der Film übrigens den Preis als bester Film.

Weitere Artikel: Andreas Scheiner spricht für die NZZ mit dem spanischen Auteur Albert Serra über dessen neuen Dokumentarfilm "Afternoons of Solitude", der "den Stierkampf aus nächster Nähe zeigt": "Indem Serra ... die pervertierte Schönheit der Darbietung betont, sorgt er für kontroverse Reaktionen." Dunja Bialas hat für Artechock das Dokumentarfilmfestival Visions du Réel in Nyon besucht. Jörg Taszman schaut im Filmdienst auf das gestern bekannt gegebene Programm von Cannes, wo mit Mascha Schilinskis "In die Sonne schauen" erstmals seit Jahren auch wieder ein deutscher Film im Wettbewerb vertreten sein wird.

Besprochen werden Paolo Sorrentinos "Parthenope", der vom Artechock-Team gleich drei Kritiken spendiert bekommt (unsere finden Sie hier), Luzia Schmids "Ich will alles" über Hildegard Knef (Artechock), Peter Wältys und Steffen Appels Buch "The Blofeld Files" über James Bond (TA), Tim Ellrichs "Im Haus meiner Eltern" (Artechock), die Paramount-Serie "Dexter: Original Sin" (FAZ) und die auf Netflix gezeigte, dokumentarische Mini-Serie "Vom Rockstar zum Killer" über den französischen Rockmusiker Bertrand Cantat, der vor 22 Jahren seine Frau Marie Trintignant zu Tode geschlagen hat (SZ).

Im Filmdienst ist Dietrich Leder sehr begeistert von Jan Schomburgs ZDF-Serie "Die Affäre Cum-Ex", die derzeit über die Mediathek des Senders verwertet wird, bevor sie kommenden Sonntag und Montag zu einem eher ungünstigen Abendtermin ausgestrahlt wird, vielleicht ja weil "sie das Publikum, das im ZDF zur besten Sendezeit nur Mord und Totschlag und keine Wirtschaftsverbrechen erwartet, nicht verschrecken" soll, wie Leder mutmaßt, der "die multiperspektivische Herangehensweise" der Serie lobt: "Es wird eine sich an sich selbst und ihrem Luxusleben berauschende Elite sichtbar. Es ist der Zynismus einer Steuerberatung zu erkennen, für die alles erlaubt ist, was nicht ausdrücklich vom Gesetz verboten wird. Es wird das Glückspiel deutlich, zu dem der durch die schnelle Datenvermittlung beschleunigte Aktienhandel partiell mutiert ist. Es ist die Hilflosigkeit einer Strafverfolgung zu erahnen, die bei ihrer Arbeit auf sehr teure Anwaltskanzleien und hohe Unterlassungsandrohungen stößt. Und es werden die Verbindungen zur Politik angedeutet, die nicht an der Macht der Banken zweifeln wollen oder vielleicht auch nicht zweifeln dürfen."

Weitere Artikel: Pascal Blum plaudert für den Tages-Anzeiger mit dem auf Doku-Porträts von Prominenten spezialisierten Regisseur Asif Kapadia. Die "neue Ära der Spielzeugfilme" ist angebrochen, stellt Valerie Dirk im Standard mit Blick darauf fest, dass Superheldenfilme vor sich hindümpeln und die Real-Remakes von Disney-Animationsfilmklassikern reihenweise untergehen, während die Videospiele-Verfilmung "Minecraft" gerade die Kinokassen klingeln lässt. Außerdem schreibt Valerie Dirk im Standard zum heute in Wien eröffnenden Porn Film Festival.

Besprochen werden Paolo Sorrentinos "Parthenope" (Perlentaucher, mehr dazu bereits hier und dort), Jannis Alexander Kiefers "Another German Tank Story" (FR, Perlentaucher), James Hawes' Agententhriller "The Amateur" (FR, FAZ), Marta Savinas "Primadonna" (taz), Dag Johan Haugeruds "Oslo Stories"-Trilogie, die in Deutschland erst nächste Woche startet (NZZ) und die vierte Staffel der deutschen Netflixserie "How to Sell Drugs Online (Fast)" (Welt). Außerdem schauen Tagesspiegel und Filmdienst auf die Filmstarts der Woche.